Mi proceso de trabajo tiene algunas constantes, pero también va mutando dependiendo la pintura. En general suelo empezar sin una imagen completamente definida de lo que quiero hacer. Si sé qué clima busco, qué atmósfera. Si bien hago registros fotográficos de personas o paisajes que me interesa pintar, no trabajo a partir de bocetos muy definidos. Realizo un primer garabato, más como una forma de entender tensiones y relaciones que como un dibujo en sí mismo, y luego empiezo a pintar directamente. A veces hago un boceto chiquito para ver la paleta que quiero usar, y poder ver las relaciones y los contrastes principales.

Empiezo la pintura dibujando con el pincel, buscando las fuerzas y las direcciones principales de la composición. La pintura se convierte entonces en un campo de prueba y de diálogo. Hay momentos en los que el proceso fluye y otros en los que se vuelve más resistente; es una experiencia que alterna entre lo placentero y lo incómodo, pero que se sostiene en la insistencia.

Gran parte de las decisiones fundamentales se toman a medida que la obra avanza. Incluso en etapas muy avanzadas del proceso suelo introducir cambios significativos.

Dónde empieza una pintura siempre es un misterio. A veces la imagen surge de una experiencia visual, que puede venir de un viaje en la naturaleza, de una caminata por la calle, de una pintura que vi en un museo o en la reproducción de un libro, o de un fotograma de una película. Con el tiempo esas impresiones germinan y se transforman en pintura. Otra manera en que surge una pintura es más narrativa: a partir de una frase que me viene a la cabeza, o algo que me sirve para describir un estado emocional o una sensación. En general no elijo cómo empezar: es algo que sucede y que no puedo controlar.

Estamos viviendo un momento de una enorme saturación de imágenes. Circulan miles todos los días, muchas generadas incluso por inteligencia artificial, y gran parte de la pintura se ve hoy a través de la pantalla de un teléfono. Si uno se detiene a pensarlo, es bastante espeluznante, aterrador.  ¿Cuántas imágenes vemos por día a través de una pantalla? En ese flujo constante, la pintura corre el riesgo de perder algo fundamental de su naturaleza, que es el cuerpo, la materialidad, la presencia, la sustancia, y nosotros también vamos perdiendo eso. Todo parece volverse más liviano, más lavado, más superficial.

También siento que el trabajo y el lugar de los artistas está bastante desvalorizado. En este contexto, gran parte de la práctica artística termina sosteniéndose desde la autogestión y una fuerte autoexigencia. Esa tensión forma parte del presente en el que trabajamos los artistas y también condiciona la manera en que la pintura circula y se percibe hoy.

Aun así, a nivel simbólico, la pintura tiene un enorme valor, además, me permite entrar en otra temporalidad y acceder a otra forma de contacto con el mundo.

Al mismo tiempo, la enseñanza ocupa un lugar fundamental en mi práctica y en el valor que le doy a la misma. Hace más de quince años que doy clases de pintura en mi taller, y para mí es muy importante poder transmitir ese saber que fui construyendo con el tiempo. La experiencia de enseñar también alimenta profundamente mi trabajo: genera un espacio de intercambio, de reflexión compartida y de comunidad alrededor de la pintura, que luego va mucho más allá de la práctica, la cual no sólo tiene que ver con producir obra, sino también con sostener un espacio donde la pintura pueda seguir siendo un lugar de resistencia, de búsqueda y de transformación.